Christopher Doyle & Edward Hopper

INTRODUCCIÓN.

La creación cinematográfica después de haber superado sus necesidades básicas de existencia (desde el simple acto de filmar la salida de unos obreros formales de la compañía Lumière hasta los inicios del teatro filmado de Méliès) comenzó a indagar en las posibilidades pictóricas que posee el encuadre, dentro de su naturaleza bidimensional y fotosensible.
Estimulado también, por la necesidad de continuidad lumínica dentro del montaje con su desfragmentada absorción espacial y formal, la fotografía cinematográfica comenzó a tener un papel en la connotación y exacerbación de las sensaciones y expresiones exhibidas por los personajes y los espacios, llevando al cine a manifestaciones tales como el expresionismo Alemán de post Iºguerra mundial, continuando con el cine noir de los 40`s. Éstos son claros ejemplos de cómo la luz artificial verosímil del cine tiene un mayor espectro de acción que la luz natural, y que la utilización de la lumino ciencia (efecto phi con todas sus teorías sobre el estimulo lumínico en movimiento) es la herramienta para generar un espacio idílico a las exigencias creativas de cada producción cinematográfica.


“Con ánimo de amar” y la obra pictórica de E. Hopper;
LA SOLEDAD DE LA LUZ.


La obra fotográfica de Christopher Doyle en el filme de Wong Kar Wai “Con ánimo de amar” se manifiesta como el aditivo sustancial a las locaciones escogidas, otorgándoles nuevas proporciones y sensaciones que se perciben más bien como sutiles pinceladas lumínicas que se materializan como volúmenes luminosos posicionados estratégicamente. Creando un espacio cinematográfico de exquisita fotogenia y de limpias y connotativas soluciones.
La luz y la oscuridad favorecen determinantemente al sentido narrativo del filme; los enérgicos contrastes cromáticos y una estética noir con tintes de video clip ochenteno de una hermosísima belleza plástica se asocian en una alusión casi magnética con la obra pictórica de Edward Hopper.

Tres planos del filme en
donde la significancia de
la perfomance se jerarquiza
por la temperatura, color y dirección de la Luz.


El compromiso de los dos personajes protagónicos de compartir sus soledades es la cuestión central de la narrativa del filme. Por lo mismo el acto de iluminación responde de diversas formas a este compromiso, dibujándolos dentro de un universo paralelo al del resto de los mortales que los rodean. Por ejemplo, en la escena del taxi, ellos están iluminados desde un tiro contrapicado, generando un alto contraste de luz entre los rostros y las sombras que proyectan sus cabezas, creando una atmósfera de soledad que los separa radicalmente del entorno enmarcándolos en este universo negro que son sus pensares frente a su condición de esposos abandonados y supuestos amantes. Llegando a un cuadro más bien expresionista que refleja y recarga de emotividad la escena.
Por lo mismo la asociación con Edward Hopper es inherente al cine (en sus preocupadas expresiones) neo expresionista con matices de cine noir en sus enunciadas luminosidades, ya que en su pintura los temas espaciales modernos y su modo de representarlos se asocia directamente con un encuadre, o mejor dicho, con las posibilidades de tiro que posee la cámara y con el comportamiento de la luz en estos neos espacios.
Es como si se pudiese ver un cuadro de Hopper y distinguir la posición espacial de su mirada.


Los motivos de Hopper están asociados a comportamientos
y especialidades modernas.
Por lo mismo es irrefutable que expresiones modernas tales como el individualismo y el excesivo tiempo dedicado a las preocupaciones van destruyendo toda capacidad de socialización y, como consecuencia, vemos una pintura cargada de soledad y conversaciones paralizadas, pero gozando de una significancia a partir de las actitudes de los personajes y del juego de miradas que genera con sólo mostrar la dirección de sus cabezas. Es en este punto en donde la luz en Hopper comienza a construir ambientes con un adherente emocional y sensorial muy parecido a Christopher Doyle.

La disposición de los objetos en la tela, sumado al cómo trabaja las profundidades con la intromisión “fuera de foco” de partes de objetos y la propia perspectiva del punto de vista, definen a la obra de Hopper como una configuración arquitectónica.





Creo firmemente que la sensibilidad creativa se somete a un riguroso planteamiento intelectual al momento de concebir una obra. Doyle y Hopper se someten a la sensibilidad creativa como riguroso planteamiento que no posee un mayor grado de intelectualidad, obteniendo resultados de una exquisita sutilidad lumínica y una gran presentación de los espacios sensibles ante cualquier vivencia humana que abarque o abrigue. Es aprender viendo o creando. Es materializar una idea sin previo indicio hacia las soluciones. Es talento.

Documentar

El registro audiovisual de situaciones humanas naturales es el materialismo de nuestra historia moderna. Es innegable que en Occidente la tendenciosa necesidad de la visión, hace de ésta una prioridad dentro de las formas de entendimiento de nuestro entorno. Por lo mismo, el concepto de Imagen ha superado la barrera de Realidad para convertirse en una Verdad. No hay duda. El documentalismo se relaciona con verosimilitud. Correspondencia que sale del plano natural y comienza a hilvanar concepciones retóricas; idealismos del yo al enfrentarme a un lente que esta absorbiendo mi identidad. Se pierde la realidad, pero se cree en la imagen de ésta. Se manipula. Se ficciona. Es una historia subjetiva en donde el punto de vista del autor rescata un suceso, llenándolo de prejuicios connotados desde el modo de encuadrar hasta el estilo de montaje. El Documentar es hacer Cine.

¿Que es el Cine Contemporáneo?

El Cine, como elemento a absorber, nace de la representación natural y ficcional de los movimientos que se generan en el entorno. Representación audiovisual que, con sólo dos sentidos (vista y oído), logra recrear las sensaciones que provocan los tres sentidos sobrantes, por lo mismo, posee un grado de abstracción en la subjetiva recreación del gusto, tacto y olfato, demostrando que el entendimiento y conocimiento de nuestro espacio es a partir de la presencia primordial de actividad lumínica y sonora.
La imagen es la representación individual de la absorción de un entorno. Siempre estamos creando imágenes para plasmar ideas o para abstraernos.
¿Cómo poder definir el Cine Contemporáneo si una de las virtudes fundamentales del arte contemporáneo en general es el desarrollo del concepto de abstracción? ¿El Cine es un arte que por su esencia, se adelantó a todo desarrollo de la abstracción?
Parto por la definición catedrática filosófica del concepto de abstracción, la cual habla de una operación mental por la que una determinada propiedad de un objeto se aísla conceptualmente, para efectos de reflexionar sobre ella sin tomar en consideración otros rasgos, de aquel objeto, que momentáneamente se desea ignorar. El cine, en su naturaleza, aísla estímulos naturales que no necesita para su entendimiento, los abstrae y los connota. Por lo mismo, en su raíz, el Cine es un arte abstracto y su contemporaneidad es inherente.

Manifiesto Experimento.

En el acto de documentar es ineludible la subjetividad, no sólo del personaje que emula a un activo o pasivo interrogante y su cámara, sino también la subjetiva creación de un entorno virtual que se forja desde la espontánea personificación de el que enfrenta al lente. La máquina se interpone entre las miradas naturales generando dos especies; un ser que actúa de si mismo y otro que actúa como espectador privilegiado. Éste último tiene atribuciones que le entregan la posibilidad de manipular todo código generatriz del mundo virtual y controlar los variados puntos de vista para la identificación del personaje ser frente al lente. La experiencia de documentar sucesos es la búsqueda del límite verosímil y, esta verosimilitud es la amalgama de observaciones que se encuadran para desarrollar un lenguaje con universo propio.